Sumi-E es un término que significa pintura a tinta. Se hizo conocida en Japón alrededor del siglo VII aC por académicos que regresaban desde China. Ellos trajeron consigo muchas ideas culturales como la caligrafía (escritura hermosa) y un estilo de pintura influenciada por ésta. Los japoneses adoptaron este estilo de pintura y le agregaron el don cultural japonés y lo nombraron Sumi-E.
Sumi-E consiste en cuatro trazos de pinturas usualmente referidas como los cuatro “amigos”: Bambú, Brotes de Ciruelo, Orquídea Silvestre y Crisantemo.
Se considera que el Bambú, el primer amigo, contiene las características de un caballero. Los chinos lo consideran como virtuoso y humilde y también consistente ya que retiene su follaje todo el año.
El segundo amigo, Brotes de Ciruelo, cuyos brotes son usados por los trazos de esta pintura son de hecho los brotes que crecen en el árbol del Damasco Japonés. Este árbol es el símbolo del invierno con el renacer de la vida no lejos de la llegada de la primavera.
El tercer amigo es la Orquídea Silvestre. Este amigo es considerado como femenino, simboliza la serenidad de la oscuridad. Emite un perfume bello especialmente a medida que crece en los bosques profundos.
El cuarto de los amigos es el Crisantemo, altamente valorado en China debido a su longevidad. Desafía el hielo del invierno al brotar en otoño.
Los cuatro amigos representan todas las formas del universo. Una creencia común era que ellos eran llamados los cuatro amigos porque sólo los ricos tenían el lujo de darse el gusto con ello y disfrutar la caligrafía y el arte de la pintura oriental. En esa época también había famosas mujeres y niños pintores. Estos hechos están registrados en los anales de la historia del arte.
Cuando Sumi-E fue introducido en Japón los monjes Budistas Zen lo usaron como un ejercicio Zen. Ellos valoraron la libertad del uso del color al usar sólo las sombras derivadas de la tinta, la totalidad del espectro, desde el negro lleno hasta el blanco. Esto enfatizaba líneas, sombras y sentimientos emocionales y encontraron que requería más disciplina, lo que era bueno para su práctica espiritual.
Hay una historia popular acerca de “Sesshu”, un pintor japonés del siglo XIV, quien cuando niño disgustaba a su Abad al dibujar en vez de estudiar sus lecciones religiosas. Como castigo fue atado a un árbol para que meditara. Sin embargo, dibujó en la arena un ratón tan vívido con su dedo gordo del pié, que cobró vida, mordió la soga y lo liberó.
Hay muchas leyendas Sumi-E, tal como la del Emperador que puso a dos pintores Sumi-E a competir entre sí y les pidió que pintaran una hoja de arce flotando río abajo. Un artista pintó laboriosamente con detalles la hoja flotando. El segundo artista, quien no aprobaba las competencias, tomó a un gallo, sumergió sus patas en tinta mezclada con pintura roja y presionó sus patas sobre un gran papel de arroz lo que representaba la corriente de agua.
Muchos artistas occidentales han estudiado Sumi-E o han recibido su influencia. El trabajo de artistas tales como Toulouse Lautrec, Gaugin, Mary Cassett y Pierre Bonnard fueron influenciados por Sumi-E, sus trabajos expresan la vida interior de la materia del tema, la que está llena de individualidad y espíritu. Un trazo conduce sin esfuerzo al próximo, mostrando que el artista tiene total control de su mente y pincel.
Para mantener el espíritu de Sumi-E es importante no hacer esbozos, en cambio debe mantener la imagen en su mente, disfrutar su belleza y pintar la memoria de ella en el lenguaje Sumi-E, usando el espectro total desde el negro hasta el blanco. Eso es Sumi-E en su forma más elevada, por ejemplo recordar cómo se ve una abeja cuando se mueve de una flor a otra o un pájaro aleteando al capturar un insecto.
Para los antiguos chinos Sumi-E refleja el Dao, el permanente principio del universo; la vía de la vida. El mismo espíritu siempre ha morado en las mentes de los pintores Sumi-E. Están conscientes que Hokusai, Sesshu, Bunuho y otros están a su lado ayudándolos a hacer las cosas que aman hacer.
La historia japonesa fue registrada en rollos de papel con caligrafía y pinturas Sumi-E, lo que ayuda a los historiadores a ver la vida como era en el pasado. Los mapas marítimos también fueron hechos en Sumi-E. Se dice que son superiores a los mapas de hoy, según experimentado marinos. Sumi-E fue también usado para hacer las primeras películas con movimiento. La historia fue pintada e ilustrada en Sumi-E y un rollo que se habría horizontalmente era visto a través de una caja que ofrecía entretenimiento a los niños y a los pueblos de la periferia. Todo esto demuestra con seguridad que Sumi-E es en realidad el lenguaje del pueblo.

PAUL GAUGUIN

PAUL GAUGUIN
(París, 1848 - Atuona, Polinesia francesa, 1903) Pintor y escultor francés. Hijo de un periodista y con sangre peruana por parte de madre, tras el golpe de Estado de Napoleón III (1851), huyó con sus padres a Lima. Cuando no era todavía más que un adolescente, Paul Gauguin se hizo a la mar; en 1871 regresó a París y entró a trabajar en una empresa financiera de la capital.
En 1883, su creciente interés por la pintura se unió al desplome de la Bolsa parisina para conducirle a tomar la decisión de dedicarse íntegramente a la actividad artística. Al año siguiente se trasladó a Copenhague, residencia familiar del padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó rotundamente y poco después abandonaría a esposa e hijos.
A partir de ese momento Gauguin vivió en la penuria, rechazado por una sociedad que con anterioridad le había abierto los brazos y que en breve iba a aborrecer. Entre 1886 y 1888 su obra experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de gran importancia: su encuentro con Van Gogh y su primer viaje a la Martinica.
Excepto un interludio en Francia de 1893 a principios de 1895, Gauguin pasó el resto de su vida en Tahití y en las islas Marquesas, donde moriría en 1903. Su empeño por encontrar equivalentes plásticos a los misterios de las islas se tradujo en complicadas composiciones en las que cada detalle tiene un significado preciso. Este es el caso de Manao Tupapaú (El espíritu de la muerte vigila, 1892), una de sus obras más importantes.
Basándose en elementos del folclore de la isla, obsesionado por las cosas que observaba pero intentando ir más allá de ellas, Gauguin crea un vocabulario personal de colores y líneas, un estilo complejo que compone un simbolismo pictórico de nuevo cuño.
Cuando Gauguin murió en las lejanas islas Marquesas, pocos se dieron cuenta del alcance de su obra. Entre ellos se encontraba el poeta simbolista Charles Morice, que había colaborado en la publicación del primer manuscrito de Noa-Noa -uno de los libros de Gauguin sobre Tahití-. Sus artículos movieron a los patrocinadores del recién fundado "Salón d'Automne" a organizar en 1906 una retrospectiva del pintor. La coincidencia de dicha muestra con la primera exposición de los fauves dio pie a la
influencia de Gauguin sobre toda una nueva generación de artistas. Desde los lejanos Mares del Sur, Gauguin había sentado las bases de un estilo nuevo, vigoroso y original que traspasaría su época.

Textos extraídos de Internet por:
Ramón Mercé “Mondey”

RAMON CASAS

Pintor y dibujante español nacido en Barcelona.

Comienza a estudiar con Joan Vicens en la Lonja de las Artes y más tarde, en 1881, se convierte en el dibujante e ilustrador de la revista L´Avenç donde trabaja como corresponsal en París, mientras estudia en la Academia de Durand junto a Eugène Carriére y Pierre Puvis de Chavannes. Allí participa en el Salón des Champs Elysées (1883) para trasladarse después a Barcelona.

Como contertulio del café Els Quatre Gats tuvo la oportunidad de trabar amistad con el millonario americano William Deering, quien se convirtió en su mecenas y le encargó obras de arte.

Impermeable a las vanguardias, su estilo se consolida en el postimpresionismo. Excelente retratista, define diferentes tipos de mujeres, como la gitana, la manola, entre otras, así como una serie de retratos al carbón de importantes intelectuales de la época, músicos como Albéniz o Granados, escritores como Unamuno o Azorín, pintores como Zuloaga o Sorolla. También expresa con sus pinceles el anonimato de interiores de cafés o de la vida en la calle, con toda la espontaneidad que emanan tanto el entorno como sus personajes.

Su estilo acusa la influencia de Manet, Whistler o Degas por los colores suaves y los contornos difuminados que le harán evolucionar hasta un tipo de pintura más colorista y de marcado carácter realista donde Casas representa tipos como Cabeza de un bandolero u obras de comprometido contenido social como La carga (1902, número comarcal de la Garrotxa, Olot, España).

Casas es asimismo uno de los máximos representantes del modernismo catalán que refleja en los carteles publicitarios (Codorniu, Anís del mono, entre otros) que realiza para prestigiosas firmas comerciales, llenos de sensibilidad artística.

Textos extraidos de Internet.

Ramón Mercé "Mondey"

ARTE CUBANO

La mayor muestra de arte cubano presentada hasta ahora fuera de la Isla

En la primavera de 1944, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó la muestra Pintores cubanos modernos, la cual fue organizada por Alfred H. Barr Jr., con la asesoría del crítico José Gómez Sicre. Aunque la exposición sólo contenía la obra de 13 pintores y faltaban Eduardo Abela, Antonio Gattorno y Wifredo Lam, esta fue la muestra que llevó el arte moderno de la Isla al escenario mundial. Desde entonces ha habido más de una docena de exposiciones de arte cubano realizadas fuera del país.
Durante los años noventa, un par de muestras fueron montadas en España. Ahora le ha tocado al Museo de Bellas Artes de Montreal la hazaña de realizar la exposición Cuba: Arte e historia desde 1868 hasta nuestros días, sin duda la más grande que se ha presentado hasta ahora fuera de Cuba, y organizada junto con al Museo de Bellas Artes de La Habana. El Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de San Francisco y varios coleccionistas privados han prestado una serie de obras claves. La exhibición contiene más de trescientas obras —pintura, escultura, gráfica, fotografía y vídeo— y, con honestidad, es visualmente avasallante. Estará abierta al público hasta el próximo 8 de junio y vale la pena un viaje a Canadá para visitarla.
El punto de partida histórico para la muestra es el año 1868, que marca el comienzo de la Guerra de los Diez Años, y concluye en el presente, con "el exitoso" arte posmodernista de la Isla, tan popular en el mercado mundial. Recuerdo una frase de Cundo Bermúdez: "en el exilio los pintores nos comemos un cable, y mira lo bien que venden estos muchachos de la Isla".
La exposición está dividida en cinco secciones: "Representando a Cuba: Buscando Formas de Expresar una Nación (1868-1927)", "Arte Nuevo: La Vanguardia y la Re-creación de Identidad (1927-38)", "Cubanidad: Afirmando un Estilo Cubano (1938-59)", "Con la Revolución, Todo, Contra la Revolución, Nada (1959-79)" y "La Revolución y yo: El Individuo Dentro de la Historia (1980-2007)".
La narrativa de la historia (en ocasiones fatalmente oficial) que provee el contexto para las obras de arte, es presentada por fotos acompañadas por paneles de texto. No cabe duda que la labor curatorial de Natalie Bondil, Moraima Clavijo y Lourdes Socarrás ha sido extraordinaria: el balance entre cantidad y calidad es de primera. Estoy seguro que nunca antes se habían reunido tantas obras importantes y estéticamente bellas en una exposición de arte cubano. El diseño y montaje, a cargo de Daniel Castonguay, es elegante, dinámico, y presenta una cantidad abrumadora de obras con claridad visual.
La exposición confirma cosas que había intuido por mucho tiempo: la calidad formal y complejidad de contenido en la pintura cubana del siglo XIX. Nuestros primeros críticos de arte modernistas (Pérez Cisneros, Gómez Sicre) ignoraron o despreciaron esta pintura. La muestra prueba la importancia de las escenas costumbristas de Landaluce, pero es Armando García Menocal (en el siglo XIX y principios del XX), representado por dos lienzos, quien sobresale de sus contemporáneos.
Menocal fue "un pintor de cuerpo completo", lo que demuestran sus dos paisajes, Carga al machete y Nocturno de la bahía. Lástima que sus magistrales Muerte de Maceo y Retrato de Lily Hidalgo no estén en la exhibición. La niña de las cañas, de Romañach, es un retrato directo y fresco, pero es su marina de Caibarién un paisaje de gran audacia. Faltan en la muestra tres figuras importantes del siglo XIX: el paisajista Esteban Chartrand y los malogrados Guillermo Collazo y Juana Borrero. Las litografías Los ingenios, de Laplante, son un magnífico ejemplo de la visión positivista y tecnológica de la época.
Los ausentes
No cabe duda que las dos secciones más fuertes de la exposición son las que abarcan los periodos 1927-1938 y 1938-1959. Aquí encontramos a los "clásicos" de la plástica cubana. Lo interesante es que muchos artistas y sus obras no han sobrevivido bien al paso del tiempo: Víctor Manuel es mediocre y Abela es desigual (aunque extraordinario en su tela El triunfo de la rumba). Lo inexplicable es la presencia de Marcelo Pogolotti con un total de 8 lienzos y 11 dibujos. Pogolotti fue y siempre será un pintor de pésimo oficio y estilo derivativo, es decir, es un Léger de tercera categoría. Su trasnochado y dogmático marxismo-leninismo es repugnante.
Falta la presencia de un verdadero original como Arístides Fernández, y el hecho de que Fidelio Ponce —uno de los más auténticos expresionistas latinoamericanos— esté representado con sólo una maravillosa tela, es tan inexplicable como la sobre-representación de Pogolotti. Las telas de Jorge Arche son magníficas en su claridad neoclásica y colorido tropical. Pero son Amelia Peláez y Carlos Enríquez los que mejor que nadie —dentro de la primera vanguardia pictórica cubana— cristalizan la cubanidad en un vocabulario universal. Estos dos hijos de Las Villas son pintores de gran fuerza formal, con visiones originales del mundo, es decir, son universales desde la cubanía.
Peláez debió de ser representada por más de dos óleos y la ausencia de El rapto de las mulatas —una de las obras maestras de la plástica cubana—, de Enríquez, es brutalmente notable. Sin trabajo, un óleo sobre cartón de Alberto Peña, es a primera vista un cuadro modesto, mas en cuanto uno se detiene a ver detalladamente esta figura de una joven negra frente a un desolado paisaje urbano, la obra crece no sólo como un retrato profundo, sino como una visión social que va más allá de la propaganda.

Textos extraidos de Internet, la selección de pinturas y autores es mi modesta apotación a este blog que pretende dar a conocer obras quizás poco conocidas.

Ramón Mercé "Mondey"

JOAQUIN SOROLLA
Nace en Valencia en 1863.

En la Escuela de Bellas Artes (1878-1881) recibe una formación académica. Empieza a pintar al aire libre animado por uno de sus profesores, Gonzalo Salvá, y después por el pintor Ignacio Pinazo Camarlench. En 1884 obtiene una segunda medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes y obtiene una pensión en Italia de la Diputación Provincial de Valencia. En 1885 va a Roma y desde allí a París, donde entra en contacto con el naturalismo. De regreso a Roma, comienza a viajar por distintas ciudades italianas, tomando pequeñas notas de color. En 1887 se instala en Asís y allí empieza a hacer escenas de ambiente valenciano bajo la influencia de José Benlliure y Gil. Es el inicio de su costumbrismo, que repercutirá en gran medida en su futura obra.

En 1888 contrae matrimonio con Clotilde García del Castillo.

En 1889 vuelve a París para ver la Exposición Universal: allí descubre a los pintores nórdicos y su peculiar tratamiento de la luz, en el que él basará su propia versión del luminismo: se abre su etapa de consolidación. Su paleta va cobrando nuevos matices en su esfuerzo por plasmar la luz. Surgen nuevas temáticas, como el costumbrismo marinero, el que trata de las gentes del mar, o el realismo social, demandado en los certámenes oficiales. Con el primero conseguirá su primer éxito internacional con La vuelta de la pesca en 1895, con el segundo varias medallas en la Nacionales de 1892, 1895 y 1901, en esta última con una Medalla de Honor.

En 1890 nace su primera hija, María Clotilde; en 1892, su único hijo varón, Joaquín; y en 1895, Elena, su tercera hija.

En 1900 obtiene el Grand Prix de los pabellones español y lusitano en la Exposición Universal de París. Se inicia su etapa de culminación, la del Sorolla más brillante, cuyas grandes dotes perceptivas y veloz ejecución producen sus mejores obras, donde la luz es el interés dominante. Sus constantes desplazamientos a París le hacen conocer las distintas vanguardias, que experimenta en sus obras. Surgen los "ismos" en su pintura, siempre a modo de experimentación en su búsqueda por captar la luz. Hace retratos que le producen grandes ingresos, y se interesa por el paisaje, viajando por distintas regiones españolas para recoger sus distintas matizaciones. Sigue cultivando su costumbrismo marinero, del que derivan desde 1904 sus temas de playa, lo más reconocido de su producción, e inicia a partir de 1907 sus estudios de jardines, fundamentalmente en Andalucía.

En este periodo expone individualmente en varias ciudades de Europa y de Estados Unidos: en 1906 en París, al año siguiente en Berlín, Düsseldorf y Colonia; en 1908 en Londres y un año más tarde en Nueva York, Buffalo y Boston. Concluyen estas exposiciones en Chicago y Saint-Louis el año 1911, con un gran éxito en París y clamoroso en Nueva York.

En 1911 Sorolla firma un contrato con The Hispanic Society of America de Nueva York por el que se compromete a hacer una gran decoración sobre Las Provincias de España, más conocida últimamente como Su visión de España. El pintor se enfrenta a un proyecto mural de proporciones gigantescas. Son casi ocho años de viajar constantemente por todo el país, buscando lo más peculiar de su indumentaria y de sus costumbres. En los descansos que hace de esa decoración, Sorolla pinta de forma más sintética, eliminando lo accesorio para enfrentarse con lo fundamental, buscando nuevos caminos para interpretar la luz.

En 1920 sufre un ataque de hemiplejía que lo deja invalidado del lado izquierdo. Su familia intenta revivirlo pero el pintor va languideciendo hasta el 10 de agosto de 1923, fecha en que fallece en Cercedilla (Madrid).

Joaquim Mir - (Joaquín Mir). Barcelona, 1873 - 1940

Pintor de la luz y el color, comenzó estudios de peritaje mercantil que nunca terminó pues su única afición era el dibujo. Interés que compartió con el que será su gran amigo y colega Isidro Nonell.
A la edad de diecisiete años, comienza a pintar paisajes de la afueras de la ciudad, siempre bajo la atenta mirada de su familia que no toleraba su dedicación plena a la pintura pero lo permitía como distracción, mientras trabajaba como vendedor de los géneros que importaba su padre.

Su primera formación artística la recibe en la academia privada de Luis Graner, pintor de composiciones rústicas, hacia el año 1889 y mas tarde aparece matriculado en la Escuela Oficial de Bellas Artes. Tras participar en la Exposición General de la Academia en 1894, la comisión de la misma compra la pintura "Sol y sombra" por un precio de quinientas pesetas, hecho que de algún modo marca el inicio de su reconocimiento como artista.

En 1987 será asiduo del restaurante "Els quatre gats" local aglutinante de músicos, escritores y artistas. En el cartel de invitación del establecimiento que realizó Santiago Rusiñol podía leerse: " hostería para inapetentes" o "Museo para quienes buscan las golosinas del alma",convirtiéndose en el foco mas importante de renovación de la pintura catalana.

Su incesante búsqueda de la luz le lleva a trasladarse a Mallorca en 1901 donde realiza paisajes en los que el color explosiona de modo exaltado.

En 1905 y tras haber sufrido un gravísimo accidente que pudo costarle la vida, cayo por un precipicio, fue ingresado en una clínica mental por sufrir desordenes nerviosos severos donde permanece hasta 1907.

Recuperado de su enfermedad comienza un nuevo periodo retirado con su madre y su hermana en la localidad de L'Aleixar, cercana a Reus y mas tarde en Mollet del Valles y en 1917 es premiada con la primera medalla de la Exposición Nacional de Pintura, Escultura y Arquitectura de Madrid.

En 1940, tras someterse a un tratamiento previo a una operación, su cuerpo no resiste y fallece en Barcelona en la casa de su hermana.

ARGELAGUER



Hola amigos, este mes os quiero presentar a Josep Pujiula un hombre sencillo con un gran proyecto “EL PARC DEL GARRELL” que inició hace muchos años y todavia no esta concluido, este proyecto esta en la población de ARGELAGUER, comarca de LA GARROTXA (Girona).

Para unos es " en Josep Pujiula", para los vecinos y conocidos es
"el Garrell"; a partir de aquí ha ido recibiendo diferentes nombres en cada uno de los múltiples reportajes y revistas en los que ha visto reflejada su modesta pero impresionante obra. Un espacio, un pequeño rincón, en el que ha plasmado su creatividad, sus sueños o sus locuras y que le ocupa casi todo su tiempo de ocio.

Le han llamado: El nuevo tarzán, el último trogodlita, el nehandertal; añadiendo eso si al final de cada calificativo el adjetivo que denota su lugar de residencia....., "de la Garrotxa".

Este parque encantado es el resultado de una larga historia sin acabar.
Porque le gustaba bañarse en el arroyo de "Can Sis Rals", Josep hace más
de 20 años arregló progresivamente este lugar enselvado que no le pertenece, trayendo animales, asnos, cabras, palomas... después les construye refugios, y otros lugares para su comida, luego construyó chozas extraordinarias, puentes de ramas franqueando el barranco... Discreto al principio, este lugar poco a poco fue conocido y visitado, hasta pasar a ser un parque natural, un espacio de libertad donde cada uno puede venir para su placer, un día, una noche o más tiempo.


http://archilibre.org/ESP/inspiration/josep_es.html


P.D.
Esta información a sido recogida de internet y de algunos vecinos de Argelaguer

Alfons Maria Mucha ['alfɔns 'marɪja 'muxa] (24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.

Nació en la ciudad de Ivancice, Moravia el 24 de julio de 1860.

Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Sarah Bernhardt.

Mucha se mudó a París en 1887 y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidad. Su salto a la fama lo logró con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance, el cartel anunciaba la obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció en los primeros días de enero de 1895 en los muros de París, y causó una auténtica sensación. Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia. Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado, lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones.
Otros carteles famosos para el Théâtre de la Renaissance son:

· La Dame aux camélias (1896)
· Lorenzaccio (1899)
· La Samaritaine (1897)
· Médée (1898)
· Hamlet (1899)
· Tosca (1899)

Cuando Mucha visitó Estados Unidos fue reclutado por la excéntrica actriz Leslie Carter, quien trató de superar el lujo y la ostentación de las obras de teatro de Sarah Bernhardt, lo que finalmente la llevó a la ruina. El formato y la configuración de los carteles eran parecidos a los hechos para el Théâtre de la Renaissance antes de 1900, con una influencia de las alhajas creadas para Georges Fouquet.

Otra etapa del recorrido artístico de Mucha son las creaciones para la serie de alhajas realizadas por el joyero parisino Georges Fouquet siguiendo los diseños de Mucha. A Fouquet le llamaron la atención los adornos con los que Mucha engalanaba a las mujeres de sus carteles y paneles, reproducidos con gran lujo de detalles, también en sus propiedades materiales. Fouquet presentó una colección de joyas realizadas sobre diseños de Mucha en la Exposición Universal de Paris de 1900, en esta prevalecían las reminiscencias orientales y bizantinas. Además, diseñó los interiores de la Joyería de Fouquet. Mucha renunció más tarde con el objeto de alcanzar grupos más amplios de compradores para sus obras.

La actriz Maude Adams caracterizada como Juana de Arco
Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales en lo que llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.

Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928. Mucha había soñado con completar esta serie, una celebración de la épica eslava, desde su juventud. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Mucha fue arrestado e interrogado por los ocupantes alemanes. Nunca se recuperó de la tensión de este episodio, ni de ver su hogar invadido y vencido. Murió en Praga el 14 de julio de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad. Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.

Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés de manera periódica desde entonces, influyendo a ilustradores contemporáneos. Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó gran parte de su vida a llamar la atención hacia las obras de aquél.

FELIZ NAVIDAD

No necesita la luz
quien puede ver en la sombra.
No necesita mirar
quien es capaz de sentir.
Porque en la luz no hay verdades
sólo inexactos bocetos
de supuestas apariencias
y, al mirar, tan sólo vemos
una imagen aparente
una ilusión transparente
con visos de realidad.



Nuestros mejores deseos,
hoy y siempre,
para quienes sienten, aman
y caminan este mundo
guiados por la claridad
de su propia luz interior.

Família Mercé-Velasco

BAJO PRESIÓN
Carl Honoré, escritor autor del libro 'Bajo presión’
"Los límites son necesarios porque dan seguridad al niño"
Carl Honoré lanza el libro 'Bajo presión', un alegato en favor del sentido común a la hora de educar a los hijos

Mercè Beltran | Barcelona | 21/10/2008 |
Hace unos años, Carl Honoré se descubrió a punto de comprar la colección Cuentos para dormir en un minuto, apta para cumplir con la rutina de la lectura nocturna a sus hijos. Se dio cuenta, entonces, de que no le gustaba la carrera contrarreloj en la que se había transformado su vida y escribió, para él y para todos, Elogio de la lentitud (RBA), un libro que se convirtió en un éxito.
No hace mucho, a raíz de un comentario de una profesora de su hijo, cayó en la cuenta de que estaba en un tris de convertirse en uno de esos padres ansiosos e inseguros obsesionados en hacer de su retoño el mejor pintor del universo. De sus reflexiones e investigaciones surgió Bajo presión (RBA), un alegato en favor del sentido común a la hora de educar a los hijos.

- Su libro no es un manual para padres, sino una denuncia de la sobreestimulación a la que están sometidos los niños hoy.

- Sí. Los adultos secuestramos la niñez de forma nunca vista a lo largo de la historia y, desde el instinto de intentar hacer lo mejor para nuestros hijos, hemos caído en el exceso, lo que provoca un efecto negativo, tragicómico. Porque aún queriendo lo mejor, la forma en que educamos a nuestros les provoca problemas de salud mental, física...

-Tal vez lo que se intenta es prepararlos de la mejor manera posible para que puedan sobrevivir en una sociedad muy competitiva.

-Trasladamos a nuestros hijos la filosofía laboral ¿Cómo lo hago para mejorar algo, en este caso a nuestros hijos? Aplicamos la cultura del perfeccionismo, que tiene que ver con la del consumo, la que nos vende la idea de que todo tiene que ser perfecto, la casa, el cuerpo, las vacaciones, nuestros hijos... La cultura del managemet contagia toda nuestra vida, y todo acaba reducido a objetivos y metas. Tenemos miedo, pero no somos capaces de darnos cuenta de que las incertidumbres y las dudas son ingredientes básicos de la tarea de educar a los hijos.


-También sucede que los padres proyectan en sus hijos sus propias frustraciones.

-Muchos padres viven a través de sus hijos. Sus éxitos son los nuestros y sus fracasos también. Estamos demasiado involucrados en la vida de nuestros hijos. En cierto modo los chicos han pasado a ser mi mismo yo, un proyecto de vanidad. La línea entre padres e hijos se borra, la familia se democratiza, y eso está muy bien pero, a la vez, desaparece la línea que divide el papel de cada uno. Cuando eso pasa, algo tan importante como la disciplina, las reglas, el saber decir "no", lo tiramos por la ventana. Los niños necesitan límites para sentirse seguros y también para desenvolverse en la sociedad y para relacionarse con los otros.

-Puede ser que los padres se preocupen por sus hijos en lugar de ocuparse de ellos.

-Esta es mi tesis. Los niños no están con los padres. Los padres despreciamos lo pequeño, lo simple, lo barato, y los niños lo que más necesitan es nuestra presencia, atención, que estemos. Esta es una línea fácil de cruzar. La mayor expresión del amor hacia nuestros hijos es estar con ellos. Cuando la paternidad acaba siendo un cruce entre el desarrollo de un producto, un proyecto laboral, y el deporte de competición todos salimos perjudicados, padres e hijos, porque nos estamos negando los principales placeres, como compartir, estar, reír...

-¿Conocerse?

-Sí, conocerse. La paternidad es un viaje hacia el descubrimiento y como todos los viajes comporta incertidumbres, dudas, errores. La gente que acepta eso transforma la paternidad y la maternidad en una aventura muy rica, mucho más interesante eso que fabricar un producto. El resultado entonces son niños más completos y más sanos.

- Los docentes se quejan de que no pueden con los niños porque llegan sobreprotegidos de casa.

- No sólo eso. Los niños no aceptan las normas pero tampoco las críticas. Estamos en un cambio cultural muy amplio, que es el de la cultura del no envejecer nunca, la glorificación de la juventud, del "peterpanismo". Es bueno salir de esa idea de que el mero hecho de ser padres nos limita la vida, pero nos olvidamos o tiramos por la ventana la de que padres e hijos tienen papeles diferentes. Los profesores están en una especie de callejón sin salida. Los niños no saben comportarse y los padres no saben lo que quieren, siempre están preocupados. Tenemos muchas señales de que hemos perdido la brújula y el control en la crianza de nuestros hijos. Lo veo en el entorno social de Londres. Los padres siempre están vigilando el colegio con lupa, pendientes de que la maestra se equivoque. Siempre están como helicópteros sobrevolando el colegio, y eso a los chicos les hace daño, les perjudica y les preocupa. Tienen miedo, por ejemplo, de que su padre les mire los deberes. El empeño en darles lo mejor, hacer de ellos los mejores, es lógico, pero les estamos negando algo muy importante, y es que aprendan a zafarse de situaciones complejas y difíciles, en las que no serán los mejores. Con nuestra actitud les impedimos a que aprendan a desenvolverse bien en la vida.

-¿A usted le enseñaron a ello?

-Yo tuve una educación bastante buena en Canadá, y aunque también me vi inmerso en alguna situación que no me gustaba, mis padres no intervinieron, dejaron que me espabilara. En los últimos años de bachillerato tuve un profesor de Biología al que odiaba, pero tenía que seguir estudiando la asignatura para acabar el bachillerato. De esa experiencia aprendí muchas cosas, entre ellas a llevarme bien con alguien que no me gustaba. Si a nuestros hijos siempre les damos las circunstancias perfectas no les preparamos para el mundo real.

-¿Nos preocupamos en exceso la formación académica y deportiva de nuestros hijos y nos olvidamos de la emocional?

- Es que lo académico y lo deportivo es más fácil y el saldo es más visible. La empatía, la generosidad, la solidaridad no las puedes poner en un currículum. Educar en esos valores es más difícil y costoso. Uno de los resultados de obsesionarse con la hiperactividad de los hijos es que refuerza el egoísmo y se ve al otro como un rival, como alguien que le puede quitar el puesto en la universidad, en el equipo de fútbol… Estamos creando consumidores egoístas y eso debemos cambiarlo. El mercado pide personas creativas, que sepan trabajar en equipo y nosotros estamos educando chicos que no saben hacer eso. El futuro está en la creatividad y ni nuestro sistema escolar ni nuestra sociedad los forma para ello, al contrario. Son chicos que siempre tienen la respuesta correcta, no saben crear, sólo aprenden la receta que les enseñamos. Hay que tirar la receta y darles espacio para ser creativos.


-Los padres no ponemos límites pero buscamos "súper nanis" para que los pongan por nosotros o nos enseñen a ponerlos. ¿Tenemos miedo a enfrentarnos con nuestros hijos?

-Hemos llegado al punto de contratar a consultores en paternidad. Volvemos al miedo, que está en la raíz de este momento cultural. Hemos perdido la confianza en ser padres. Cuando los niños nacen ya nos hemos leído 50 libros sobre la paternidad, hemos ido a clases, nos hemos empapado de artículos sobre ello. Este bombardeo de consejos, a veces contradictorios, hace que nuestra confianza sea mucho más vulnerable. Se supone que el objetivo de toda esta industria es dar más confianza, pero paradójicamente hemos perdido la capacidad de buscar la voz interior que todos llevamos dentro. Conocemos mejor a nuestros hijos que nadie, sin embargo los educamos como si nos hiciera falta leer un manual de instrucciones o mirando lo que hace el vecino. Nos dejamos llevar por la corriente de pánico y perdemos esa voz interior. El libro lo escribí para recuperar la confianza en mi mismo como padre.

- ¿La ha recuperado?

- Sí.

- ¿Ha mejorado la relación con sus dos hijos?

- Sí. Me siento más relajado con ellos, no estoy tan apurado. No estoy siempre atento, les dejo más a su aire y la verdad es que tienen pasión por lo que hacen. Mi hija, por ejemplo, baila flamenco. Le encanta y disfruta.

- ¿También hacen actividades extra escolares?

- Sí, pero las que les gustan. Con frecuencia los chicos hacen las actividades extra escolares que sus padres quieren o, en el caso de los adolescentes, para armar un currículum impecable.

- ¿Los niños son más felices ahora que antes?

- Es muy difícil responder a eso. Hay muchos indicios de que no, y eso se ve en el aumento de los problemas psicológicos y la enorme cantidad de chicos que reciben medicamentos para controlar su estado de ánimo. Eso es muy mala señal. Hay una gran felicidad falsa, tanto entre adultos como entre niños, que es un producto del consumismo. Compramos un ipod nuevo o la última minifalda de Prada para ser felices, pero ¿eso genera felicidad? No. Es una felicidad artificial, poco profunda, no duradera. Espero que la crisis financiera nos ayude a resituar este materialismo sin límites al que hemos llegado y nos haga reflexionar. Despreciamos lo sencillo, lo cómodo, lo simple, ese palito con el que nuestro hijo puede jugar durante horas. Nos sentimos mal si nuestro hijo no tiene un juguete electrónico de 85 euros, no sólo porque lo él tiene el hijo del vecino, sino porque en la caja nos dice que es muy útil para su mayor desarrollo cognitivo. El mercado manipula nuestros miedos, nuestras angustias para vender más y más. ¿Qué pasará ahora cuando la gente deje de tener tanto dinero? Con un poco de suerte recuperaremos el palito y nos daremos cuenta de que eso sí tiene un efecto sobre el desarrollo cognitivo del niño.

- Entre esa actitud excesiva y el pasar de los niños, no hacer nada, ¿dónde esta el punto intermedio?

-Esta pregunta es incontestable. El punto de equilibrio es distinto en cada caso. No hay una actitud perfecta. Ahora estamos en el exceso y de lo que se trata es de trasladar el péndulo hacia el equilibrio. Yo no puedo decir a la gente lo que tiene que hacer, pero sí apuntar los indicios que indican cuando no se está en la buena dirección. Cuando los niños no hablan de las actividades extraescolares, cuando tienen ojeras, problemas de salud, duermen mal o se duermen en el coche entre actividad y actividad, es que algo no va. Hay que poner límites a la presión social y tratar de ubicar la brújula personal de cada uno para que tu hijo haga lo que más le convenga a él y no al vecino o a tu compañera de oficina. Hay que aplicar el sentido común.

- Ese sentido común no siempre se encuentra.

-Ser padre es difícil, duro y agobiante. No es un sueño de vacaciones. El problema es que en lugar de pensar y aceptar que todo saldrá bien, invertimos en el lugar equivocado.

Artículo extraído de LA VANGUARDIA digital del 21/10/08.


P. D.

Hace unos días, unos amigos míos han tenido su tercer hijo, se les ve que son muy felices, a pesar de que los tiempos de crisis en que vivimos no ayuden demasiado. Estoy convencido de que saldrán adelante con mucho amor, con mucho trabajo y un gran esfuerzo diario.

Este artículo pienso que les puede ayudar mucho en su quehacer educativo ya que estoy seguro de que ellos, al contrario de otros padres no se sentirán frustrados por lo que supuestamente esperaban de sus hijos.

Pienso que los padres debemos querer y aceptar a nuestros hijos como son y no como nos hubiera gustado moldearlos.

Ramón Mercé

LA GARROTXA

Espacio Natural de la Alta Garrotxa
La Alta Garrotxa es un territorio que, por su diversidad y singularidad, es sin duda, el espacio más importante del Pre-Pirineo oriental. Su orografía extremadamente abrupta ha condicionado el paisaje, la vegetación, la fauna y los asentamientos humanos a lo largo de su historia y ha permitido el antenimiento de un espacio natural relativamente aislado que conserva una importante riqueza biológica, hasta el punto de haber sido declarado Espacio de Interés Natural y designado como Zona de Especial Protección para las Aves dentro de la Red Natura 2000. Actualmente este espacio está gestionado por el Consorcio de la Alta Garrotxa.

El relieve de la Alta Garrotxa, marcado por valles profundos rodeados de riscos y paredes de roca, es el que da nombre al espacio: las garrotxes son las tierras “ásperas y de mal caminar” . El paisaje de la Alta Garrotxa es verdaderamente espectacular, no tan sólo por la magnificencia del relieve, sino también por su cubierta forestal, dominada por los encinares y los robledos.

LA CIUDAD DE LAS ARTES Y LAS CIENCIAS "VALENCIA"

Hola amigos espero que las vacaciones las hayais disfrutado mucho y la vuelta al trabajo no os cause demasiado agobio ó estrés.

Nosotros estuvimos unos días en Valencia, para visitar la CIUTAT DE LES ARTS I LES CIENCIES y tengo que deciros que me causo una muy buena impresión, aunque hay todavía cosas por acabar.

Para hacer una crítica fiel y real de lo que supone este complejo arquitectónico habría que diferenciar varios aspectos previamente. Por una parte está la imagen y lo que con ella se proyecta de Valencia al resto del mundo. Por otra parte está la funcionalidad, pragmatismo y prestigio en sus diferentes sectores, de cada una de estas construcciones.

No hay duda, esta es la imagen de la Valencia del siglo XXI. Lo que abre las puertas del futuro a esta ciudad que siempre ha tenido toques más bien clásicos e históricos. Son edificios muy bonitos, con formas futuristas.

Pienso que hay que felicitar a SANTIAGO CALATRAVA; Arquitecto, ingeniero y escultor ya que su forma de entender la arquitectura, lo hacen único. Como en su día lo fué Antonio Gaudi.


Ramón Mercé

MANIFIESTO POR LA LENGUA COMÚN



Obviamente estos señores no piensan que CATALUNYA, EUSKADI, GALICIA, ETC... No son solo Comunidades Autónomas, sino que también son PAISES y por lo tanto como cualquier País del mundo tiene su historia, su lengua propia, su cultura y sus costumbres.

Es por esto que queremos que las gentes que vienen a nuestros países se integren completamente y aprendan también nuestra lengua y nuestras costumbres sin que por ello pierdan la suya propia.

En consecuencia y mientras no entiendan que somos un País estarán en contra de todo lo que para ellos es diferente y especial.

Lo que más me impresiona, es que todos ellos son cultos. Han ido a la universidad, tienen masters, doctorados, etc., pero esta claro que no tienen el don de la Empatía ya que son incapaces de ponerse en el lugar de los CATALANES, VASCOS, GALLEGOS, ETC... Yo me pregunto ¿No será que en el fondo son unos ignorantes y han nacido en una época que no les corresponde?

Ramón Mercé




A continuación Adjunto artículos aparecidos en LA VANGUARDIA on line el día 26 de Junio de 2008.

El PP se adhiere al 'Manifiesto por la lengua común' en defensa del castellano

Madrid. (EFE).- El Partido Popular se ha adherido al 'Manifiesto por la lengua común', promovido por intelectuales que defiende que el castellano sea la lengua común en todas las comunidades autónomas españolas.

En un comunicado, el PP expresa su adhesión al texto y explica que el presidente del partido, Mariano Rajoy, la secretaria general, María Dolores de Cospedal, y los vicesecretarios Ana Mato, Javier Arenas y Esteban González Pons han firmado el manifiesto a través de la página web de 'elmundo.es'.

El 'Manifiesto por la lengua común', que reivindica la importancia del castellano, fue presentado el pasado lunes por el escritor Fernando Savater y sellado por otros intelectuales como Mario Vargas Llosa, Albert Boadella, Félix de Azúa, Álvaro Pombo o Luis Alberto Cuenca.

SANTI SANTAMARÍA VS. FERRÁN ADRIÁ


Queridos amigos: Después de la polémica suscitada por el Cocinero SANTI SANTAMARÍA a raíz de criticar a FERRÁN ADRIÁ reconocido actualmente por todo el mundo de la gastronomía como un genio y considerado el mejor cocinero del mundo. Os propongo un juego.

Se trata de que expongáis un pequeño comentario sobre el tema, al final del BLOG. En el apartado “Publicar un comentario en la entrada”

A continuación inserto un artículo extraído de LA VANGUARDIA del día 22 de Mayo que me parece interesante aunque no lo comparto. Ya que esto que a suscitado tanto revuelo en nuestro País lo han aprovechado Francia, Inglaterra, Italia ect... para desprestigiar la excelente cocina de nuestros maestros cocineros con estrellas MICHELIN.

Ramón Mercé “mondey”

Carta a Santi Santamaría
Carlos Díez Díez | 22/05/2008 Consultor de hostelería

Ya era hora de que alguien en su pleno juicio, hablando siempre de juicio gastronómico, el cual usted sin duda tiene, levantara las manos como si de un atraco se tratase y dijera en voz alta y clara, "cuidado".

Sería muy difícil entender el arte sin Dalí, o mejor dicho, no se habría este enriquecido tanto si no hubiera dejado el legado artístico en el cual se han basado tantos artistas como punto de referencia, pero, ¿nos imaginamos el arte actual inundado de Dalís, imitadores de Dalí y sucedáneos? sería, seguramente el final.

Parece ser que hoy en día ya no hay respeto por las buenas formas en nuestro día a día y por no ser menos la cocina se ha apuntado a esta nueva ola de "freakys" que se dedican a intoxicar en cuerpo y alma a los pobres consumidores, por cierto cada vez menos numerosos, que se aventuran a entrar en algún restaurante en manos de un despiadado chef que ha pasado o dice haber pasado por los fogones de El Bulli.

En mi día a día como consultor de hosteleria, me enfrento, tanto a clientes como a mi propio personal, en una batalla sin fin, para conseguir que se acepten y se respeten las buenas formas de la cocina tradicional adaptada evidentemente, a las necesidades fisiológicas y espirituales de nuestros tiempos. Hay que volver a cocinar en horizontal y olvidarnos un poco de la cocina tridimensional.

Los jóvenes talentos a los que entrevisto, tienen verdaderas dificultades en saber hacer una sopa de pescado, en cambio me proponen sugerencias como la trufa de mar, y tampoco encuentran entre los mil utensilios que hay en la cocina, aquellos apropiados para ejecutar sus recetas, que no son otras que las de El Bulli, pero en versión "freaky".

Creo que nuestra cocina, la catalana, se ha enriquecido, sin duda alguna con Ferran Adrià, cocinero mundialmente premiado por sus recetas y nuevas técnicas aplicadas a la gastronomía, nuevos ingredientes y sabores presentados desde en probetas hasta en forma de humo. Pero "cuidado", ¿podemos estar ante el declive de un genio?

No entiendo por que desde la retirada por un juez de la marca de patatas fritas del mercado a la que él había alquilado su imagen, por publicidad engañosa, no ha tenido un poco más de cuidado en sus nuevas invenciones o técnicas de marketing para sus productos. Su última sorpresa, las letras rellenas de sopas, constatan con firmeza que ¿podemos estar ante la locura final de un genio en pleno declive?

Sin duda El Bulli puede estar arrastrando a las nuevas generaciones de cocineros a un pozo sin fondo, del que se darán cuenta que no podrán salir el día en que Ferran deje de sacar libros de recetas y ellos dejen de encontrar su fuente de inspiración en las fotos y recetas de sus libros. Se darán cuenta de que están vacíos, faltos de técnicas y convicciones profesionales.

"Cuidado". Creo que esta palabra es la que usted ha intentado transmitir en su exposición sobre el tema que nos ocupa, y no, la promoción de su libro, como han afirmado discípulos de Ferran Adrià en los medios de comunicación.

A partir de ahora tendrá que escuchar de todo en su contra, ya que al parecer ha puesto el dedo en la llaga, y esto parece ofender a muchos, pero espero que estas sinceras palabras mías le hayan alegrado al menos el momento que ha dedicado a su lectura. No se preocupe por los demás, puesto que van sin rumbo, tan sólo diría para concluir que desde Ferran hasta el Chikilicuatre eurovisivo hay suficiente espacio para que todos estemos en buena convivencia.

TIBET

El Tibet, Región ó País.
El Tibet es una región autónoma del sudoeste de China, enclavada en el Asia Central, cuya capital es Lhasa. Conjunto de tierras de gran elevación (más de 4.500 m), rodeada de las cordilleras de mayor altitud de la tierra. En el concepto occidental “Tibet” puede referirse a Región Autónoma del Tibet o RAT (una subdivisión administrativa de la República Popular China), o al Tibet histórico que consiste en las provincias de Amdo, Kham, y U-Tsang. La población es eminentemente budista, aunque el porcentaje de religiosos ha disminuido desde la invasión de China. La lengua mayoritaria es el tibetano. En Tibet se encuentra la mayor cima del mundo, en la frontera con Nepal, el Everest.

Según los restos arqueológicos encontrados en el Tibet, se supone que los primeros habitantes humanos aparecieron 10.000 años adC. Sin embargo, debido al carácter nómada de las tribus tibetanas, no es hasta hace 2.300 años cuando empiezan a tener una clara presencia en la historia de Asia. Es en aquél punto cuando aparece el rey Nyakhri Tsampo, que instaura una dinastía militar que se expande por la altiplanicie tibetana, entre los reinos de China, India, Nepal, Birmania y Bhután.

Esta dinastía se mantuvo hasta que, 30 reyes después, el mítico rey Songtsen Gampo (siglo VII) asumió el poder. Con este rey, el Tibet llegó a su máxima expansión, logrando tener 40 millones de habitantes y expandiendo sus fronteras hasta entrar en China y tomar Chang’an (Xi’an) en el año 763. El rey Songtsen Gampo se casó con dos princesas budistas, una de origen chino y otra de origen indio. Esto le permitió conocer ambas civilizaciones y, también, el budismo Mahayana. El País de las Nieves, hasta entonces un estado feudal (17 feudos), fue convertido por este rey en una nación más pacífica. Envió estudiantes a India, donde aprendieron el sánscrito y empezaron a traducir al tibetano la vasta literatura budista. A finales del siglo VIII se invitó al maestro Padmasambhava (literalmente nacido del loto), también conocido en el Tibet como Guru Rinpoché (maestro precioso), a enseñar la filosofía budista. Es gracias a estos dos personajes que se introdujo el budismo en el Tibet. Los tibetanos consideran a Guru Rinpoché como el segundo Buda después de Shakyamuni, año 2500 adC. El emperador Trisong Detsen y el maestro Padmasambhava construyeron templos como el Jokhang o Ramoche (ambos en Lhasa, nueva capital tibetana) así como numerosos monasterios.

En el año 821, Tibet firma un tratado de paz con China. El budismo es perseguido durante años y el rey Yeshe Oe es capturado para que abandone sus ideologías y enseñanzas. Éste rey estaba intentando convencer al maestro indio Atisha para que fuera al Tibet. El sobrino del rey, Jangchub Oe, envió traductores y otras gentes hasta que lograron que Atisha visitara el Tibet. En el Tibet, Atisha compuso Una luz en el camino, obra de gran valor espiritual de la que deriva una tradición de enseñanzas muy importante. Bajo la influencia de Atisha (que vivió en el Tibet entre 1042 y 1055), las enseñanzas volvieron a florecer, se construyeron más monasterios y se concluyó la traducción de textos budistas, dando paso a la producción de textos propiamente tibetanos. Gracias al peso de esta Política de la No-Violencia, se impidió el surgimiento de nuevas dinastías. Las instituciones monásticas empezaron a ganar poder mientras que las familias nobles que gobernaban lo iban perdiendo.

En el siglo XIII, el Tibet fue dominado por el Imperio Mongol. Los gobernantes mongoles le dieron gran autonomía secular a la escuela de Sa-skya del budismo tibetano. Durante tres siglos el Tibet siguió siendo gobernado por dinastías seculares. En el siglo XVI, Altan Khan de la tribu mongol de Turnet le dio respaldo al gobierno religioso del Dalai Lama, siendo el budismo la religión predominante entre mongoles y tibetanos.
En el siglo XVII, el quinto Dalai Lama (Lobsang Gyatso el Grande) fue proclamado rey del Tibet y fundó los palacios de Ganden y Potala. Desmilitarizó totalmente el país y consiguió que el emperador de los manchú, Shun Chih, garantizara la independencia completa del Tibet. La pacificación y desmilitarización de los mongoles por parte de los tibetanos fue una de las mayores transformaciones de la historia.

Al principio del siglo XVIII, China envió un Comisionado chino a Lhasa para hacerse cargo del gobierno. Diferentes facciones tibetanas se rebelaron contra el Comisionado, el cual fue asesinado. Posteriormente el ejército Qing invadió al Tibet y derrotó a los rebeldes, reinstalando a otro Comisionado. Dos mil soldados chinos permanecieron en el Tibet y sus labores defensivas se vieron soportadas por fuerzas locales organizadas por el Comisionado.

Desde 1959, el gobierno del Tibet, encabezado por el decimocuarto Dalai Lama ha mantenido un gobierno en el exilio en Dharamsala, al norte de la India. Afirma tener soberanía sobre la región del Tibet o lo que consideran el Tibet Histórico el cual está unido por lazos culturales, pero que es casi el doble del territorio que gobernaba el Dalai Lama, antes de la ocupación china. El gobierno en el exilio afirma que el Tibet era una nación independiente hasta la invasión por el Imperio Mongol (Dinastía Yunag), hace 700 años y desde la caída de éste en 1368 y la subyugación por el Imperio Manchú (Dinastía Qing) en 1720.

China, por su parte, argumenta que gobierna legítimamente al Tibet, por cuanto es una parte indivisible de China desde la conquista por el Imperio Mongol hace 700 años, al igual que las regiones de Dali y Tangut, conquistadas por dicho imperio en aquella época y que desde entonces forman parte de China. Indican también que los gobiernos siguientes (las dinastías Ming y Qing y la República Popular de China) solo hicieron valer la soberanía ya ejercida por la dinastía Yuan.

SALVAR LA PATAGONIA

El ¡¡humano-absurdo!!... por un lado: se están derritiendo los glaciares y los científicos del mundo no saben como pararlo... y por el otro CHILE aprueba proyecto para ¡¡destruir los glaciares!!! .... ¿?
En el valle de San Félix, el agua más pura en Chile corre por ríos alimentados por 2 glaciares, donde existe el más precioso
recurso (agua).
Grandísimos depósitos de oro, plata y otros minerales han sido encontrados bajos los glaciares.
Para llegar hasta ellos será necesario quebrar y destruir los glaciares -algo nunca concebido en la historia del mundo- y
hacer 2 grandísimos huecos, cada uno tan grande como una montaña, uno para la
extracción y otro para el deshecho de la mina.
El proyecto se llama PASCUA LAMA.La compañía se llama Barrick Gold La operación esta siendo planeada por una multinacional de la cual es miembro George Bush padre. tp://www.barrick. com
El gobierno Chileno ha aprobado el proyecto para que empiece este año. La Única razón por la cual no ha empezado aún, es porque
los campesinos han obtenido un aplazamiento.
Si destruyen los glaciares, no solamente destruirán la fuente de un agua especialmente pura, pero contaminarán permanentemente los 2 ríos de tal forma que nunca volverán a ser aptos para consumo por humanos o animales debido al uso de cianuro y ácido sulfúrico en el proceso de extraccion.
Hasta el último gramo de oro será enviado a la multinacional en el extranjero y ni uno le quedará a la gente a quien le pertenece esta tierra.
A ellos solo les quedará el agua envenenada y las enfermedades consiguientes. Los campesinos llevan bastante tiempo peleando por su tierra, pero no han podido recurrir a la TV por una prohibición del Ministerio del Interior.
Su única esperanza para frenar este proyecto es obtener ayuda de la justicia Internacional.
El mundo debe enterarse de lo que esta pasando en Chile. El lugar por donde empezar a cambiar el mundo es nuestro lugar.

EL ROMÁNICO EN CATALUNYA

CARACTERÍSTICAS
El románico surge en Europa como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual y abarca los siglos XI al XIII. Ésto hizo que se hicieran un gran número de iglesias y de edificios religiosos. Debe su nombre a que en su construcción se utilizaron elementos romanos, aunque también tiene influencias orientales y germánicas.
Las primeras construcciones se hicieron en Lombardía, Borgoña y Normandía. Desde allí se difundió por toda Europa, debido:
•Expansión de las Órdenes religiosas ( Cluny y Císter ) que construyen monasterios. Éstos son fuente de riqueza y centro cultural y urbano de la sociedad.
•Las peregrinaciones. (En España el románico se introduce a través del Camino de Santiago).
•Aumento de la influencia de la iglesia.
Debido a las relaciones entre religiosos y nobles, la construcción de las grandes iglesias fue impulsada por reyes, nobles, obispos y abades de los monasterios.
A veces eran los vecinos de la aldea los que costeaban y construían las iglesias.
Las obras eran realizadas por artesanos especializados: arquitectos, picapedreros, pintores...
El arte románico fue sobre todo un arte religioso, que reflejaba los valores de la nueva sociedad feudal, sociedad que era a la vez guerrera y cristiana.


DICCIONARIO ROMÁNICO

ÁBSIDE.- Parte abovedada, generalmente semicircular que sobresale en la fachada posterior.

ARCO DE MEDIO PUNTO.- Elemento curvo (media circunferencia) de construcción que sirve para cubrir un hueco con dos pilares o puntos fijos.

BÓVEDA DE CAÑÓN.- Construcción de sección en forma de arco, que sirve para cubrir el espacio comprendido entre dos muros, entre varios pilares o puntos fijos.

CAMPANARIO.- torre, espadaña o armadura donde se colocan las campanas.

CAPITEL.- Parte superior de la columna que corona el fuste.

CIMBORRIO.- Cúpula exterior sobre el crucero.

CONTRAFUERTE.- Machón saliente en el paramento de un muro para fortalecerlo.

CRIPTA.- Lugar subterráneo dedicado al culto. En el se veneraban las reliquias de los santos.

CRUCERO.- Espacio en que se cruza la nave mayor y la que la atraviesa.

GIROLA.- Nave que rodea el ábside.

NAVE.- Espacio que se extiende a lo largo entre muros o filas de arcadas.

PLANTA DE CRUZ LATINA.- Es el dibujo que forma la iglesia sobre el terreno. Se le llamaba así porque recuerda la forma de una cruz.

PECHINA.- Triángulo curvilíneo, que con otros tres forma el anillo de la cúpula con los arcos torales.

PILAR.- Elemento vertical en forma de prisma que sirve para sostener la estructura.
TRIFORAS.- Ventanas de tres huecos.

TRIFORIO.- Galería que rodea el interior de la iglesia sobre los arcos de las naves y que suele tener triforas.

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Vista lateral

FRIDA KAHLO

PERSONAJE DEL MES - FEBRERO 2008

Frida Kahlo

Nació en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, el 6 de julio de 1907. A pesar de ello, Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana: "Nací con la Revolución", porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural, se enfrentó a la reinante penetración de las costumbres estadounidenses, todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.
Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo, fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía y la mexicana Matilde Calderón y González, de ascendencia española e indígena católica. Sin embargo, de acuerdo al estudio de Gaby Franger y Rainer Huhle, formaba parte de la leyenda, no pocas veces instigada por la propia Frida, que Guillermo Kahlo tuviera raíces húngaras o judías. Estos autores sostienen que probablemente el fotógrafo nació en Pforzheim, pequeña ciudad del estado de Baden-Wurtemberg y que sus abuelos y resto de antepasados pertenecieron a la burguesía local y eran de religión luterana.
Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1910 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.
En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, la cual empezaba por primera vez a admitir chicas como alumnas. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes con los que realizó innumerables trastadas en la escuela teniendo generalmente como víctimas a sus profesores. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.
En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández Domínguez. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de tranvía la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada y casi rota, así como diversas costillas, cuello y la pelvis, su pie derecho se dislocó quedando machacado, su hombro se descoyuntó y un pasamanos le atravesó el vientre, introduciéndosele por el costado izquierdo y saliendo por la vagina. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de toda su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de "estiramiento".
El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresará los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama y en el baño. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.
Tras esa recuperación, que le devolvió la capacidad de caminar, una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y su futuro marido (de Frida) Diego Rivera.
La artista contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1940 que solamente duró un año.
Poco después de su divorcio con Diego Rivera, Frida Kahlo terminó un autorretrato constituido de dos personalidades: Las Dos Fridas. Con este cuadro, asimila la crisis marital, a través de la separación entre la Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida, de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él. Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo amenaza con perder toda su sangre.
Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante y una paloma, pues Diego era enorme y obeso mientras que ella era pequeña y delgada. Por otra parte; Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar.
A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), ayudó a Frida en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida.
La creciente reputación de Rivera en los Estados Unidos los llevó entre 1931 y 1934 a pasar la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.
Entre 1937 y 1939 el revolucionario ucraniano Leon Trotsky vivió exiliado en su casa de Coyoacán junto a su mujer. Allí tendrá un romance con el líder comunista para, tras su asesinato a manos del miembro de la NKVD estalinista Ramón Mercader, ser acusada como autora del mismo. Esto la llevó a estar arrestada pero finalmente fue dejada en libertad cosa que ocurrió de igual modo con su marido.
En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: "Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".
En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada del Vogue francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero.
A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda de México D.F.
En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un éxito rotundo.
Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionados con el dolor y remordimiento.
Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.
Sus últimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver".
A los cuatro años de su muerte, la Casa Azul se convirtió en el Museo Frida Kahlo.
Varios museos le han dedicado retrospectivas: el Instituto Nacional de Bellas Artes del ciudad de México (1977), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1980) y la Whitechapel de Londres (1982).

NYC

La ciudad de Nueva York (en inglés y oficialmente The City of New York) es la ciudad más grande del Estado de Nueva York y de los Estados Unidos de América. Es el centro del área metropolitana de Nueva York, la cual es la tercera aglomeración urbana más grande del mundo por cantidad de habitantes, después de las de Tokio y México D.F.[2] Durante más de un siglo, ha sido uno de los principales centros mundiales de comercio y finanzas. Nueva York está considerada como una ciudad mundial alfa dadas sus influencias globales en los medios de comunicación, política, educación, entretenimiento y moda.[3] La influencia artística y cultural de la ciudad es de las más fuertes del país. Además, en ella se encuentra la sede central de la Organización de las Naciones Unidas, lo que la convierte en un importante punto de las relaciones internacionales.

La ciudad se compone de cinco boroughs (a veces traducidos como distritos o comunas) cada uno de los cuales coincide con un condado: Bronx, Brooklyn, Manhattan, Queens y Staten Island. Con más de 8,2 millones de neoyorquinos en un área urbana de 830 km², Nueva York es la segunda ciudad más densa de los Estados Unidos, detrás de Union City, Nueva Jersey, localizada cruzando el Río Hudson.[4]

La ciudad tiene muchos barrios y edificios reconocidos por todo el mundo. La estatua de la Libertad, ubicada en la isla homónima, recibió a millones de inmigrantes que llegaban a Estados Unidos a finales del Siglo XIX y comienzos del XX. Wall Street ha sido uno de los principales centros globales de finanzas desde la Segunda Guerra Mundial y es la sede de la Bolsa de Nueva York. La ciudad también ha concentrado a muchos de los edificios más altos del mundo, entre los que se encuentran el edificio Empire State y las torres gemelas del World Trade Center, las cuales fueron derribadas en los atentados del 11 de septiembre de 2001.

La ciudad también es la cuna de muchos movimientos culturales estadounidenses, como por ejemplo el renacimiento de Harlem en literatura y artes visuales, el expresionismo abstracto (también conocido como Escuela de Nueva York) en pintura, y Hip hop,[5] punk[6] y Tin Pan Alley en música. En 2005, se hablaban casi 170 idiomas en la ciudad, y el 36% de su población había nacido fuera de los Estados Unidos.[7] [8] Con su metro en funcionamiento las 24 horas del día y el movimiento constante de tráfico y gente, Nueva York es conocida como «la ciudad que nunca duerme».